Karel Appel

Dopo gli studi ad Amsterdam conosce Corneille e Constant, con cui fonda il gruppo sperimentale.
A loro si uniscono Pierre Alechinsky e Asger Jorn, e insieme danno vita al movimento Cobra, dalle iniziali delle loro città, Copenagehen, Bruxelles e Amsterdam.
Dal 1950 si trasferisce a Parigi; nel 1954 riceve il premio Unesco alla Biennale di Venezia ed esone molte opere all Martha Jackson Gallery di New York.
Dal 1997 soggiorna alternativamente in Toscanadove dipinge paesaggi, e negli Stati Uniti, dove si dedica alla scultura.

Personaggio
1950, olio su tela,
collezione privata

Prima di frequentare l'Accademia , Appeal dipinge alcuni paesaggi, vagamente ispirati all'Impressionismo.

I contatti con gli ambienti dell avanguardi olandesi e le lunghe discussioni con gli altri membri del Cobra lo portano a definire il suo stile, sulla scia dell'espressionismo informale. E' una scelta che gli permette di dar voce alle proprie emozioni, di privilegiare il colore sul disegnio, il ritmo sull'armonia e di usare le forme in modo lirico e non descrittivo.

Questo quadro è uno tra i più bell'esempio dell'esperienza Cobra.

Le pennellate sono Ampie e marcate, dai colori accesi e contrastanti.

Il lineamenti sono molto semplificati e ricordano Mirò, Dubuffet.

A partire dal 1952 Appel ssi distacca dal Gruppo Cobra e si avvicina al critico Michel Tapié a all'arte informale:i cui esponenti sono: De Kooning, Riopielle, Pollock. Anche se il suo modo di operare è diverso da quello di questi artisti, infatti frequenta più i poeti che gli artisti .

Nei dipinti degli anni cinquanta si nota come mantiene i legami con la realtà e dà libero spazio alla fantasia.

Nella sua arte è evidente la passione per i colori puri e violenti e quelle forme primitive;

Siamo di fronte ad una pittura che non è sviluppata dalla "ragione" ma è energica.

L'artista in una intervista ha persino confessato che ogni suo dipinto è una battaglia sia mentale che fisica e che si rivela mentre si svolge il combattimento"

Bibliografia

Grandi Arti Contemporanee,Dalle avanguardie alla Pop Art,Gabriele Crepaldi,Electa, Panorama,p.10;
Foto: http://www.pagina.to.it/download/PAGINA_ARTE/OPERE/cobra4.jpg

Umberto Boccioni

Diplomatosi all'istituto tecnico si trasferisce a Roma , dove si dedica alla pittura, alla letteratura e al giornalismo da autodidatta.Nel 1908 si stabilisce con la madre e la sorella a Milano , dove ha i primi contatti con il nucleo fondatore del Futurismo, in particolare la sua guida è Marinetti.Sottoscrive il Manifesto dei pittori futuristi e partecipa alle mostre futuriste. Allo scoppio della prima guerra mondiale è tra i più accesi interventisti; partito volontario , muore nel 1916 in seguito a una caduta da cavallo.








Ritratto di scultore
1907 circa, olio su tela
collezione privata





L'opera era conosciuta come il ritratto dello scultore Brocchi, ma sono intervenuti dei dubbi sull'identità del protagonista.Può essere considerata la sintesi delle sue prime ricerche divisioniste e insieme uno dei momenti più evidenti del cammino verso il futurismo.Lo scorcio cittadino sullo sfondo è ottenuto per mezzo di piccole pennellate dai colori caldi vibranti, molto vicini a quelli usati da Gubricy, Nomellini o Pellizza da Volpedo.Nell'ottobre del 1907 Boccioni visita a Parii la mostra " Pittori divisionisti italiani" e questi quadri lo convincono molto di più di quelli dei puntinisti Seurat e Signac. Nello stesso tempo, però il personaggio in primo piano è investito da una luce forte e diretta , che contrasta con i toni pallidi e sfumati dello sfondo.Inoltre le pennellate dense e decise unite alle forme spigolose del suo volto, anticipano le nette geometrie delle successive opere futuriste.


Il romanzo di una cucitrice
1908,olio su tela,Parma , collezione Barilla

La composizione è ancora legata alle prime esperienze divisioniste e mostra come l'artista abbia seguito attentamente la lezione di Pellizza da Volpedo e di Gaetano Previati.Il tema della donna che legge , caro a molti impressionisti, viene aggiornato sulla base delle nuove tendenze postimpressioniste e rivela già, nella frammentazione nervosa e vibrante del colore e nella semplificazione dell'abito della modella, alcune anticipazioni dinamiche delle successive opere futuriste.Nei quadri di Boccioni appaiono spesso dei personaggi alla finestra, una scelta compositiva che gli dà modo di illuminare meglio la scena e di affrontare il rapporto tra l'interno e l'esterno.L'opera viene esposta nel luglio del 1908 alla Permanente di Milano ma, con disappunto dell'autore, ottiene ben pochi apprezzamenti e molte critiche negative.


Elasticità
1912, olio su telaMilano, Civico Museo d'arte Contemporanea, collezione Jucker

Questo dipinto riassume e completa il percorso creativo di Boccioni, che ha sperimentato le nuove idee Futuriste con La città che sale (New York The museum of Modern Art) e le sue arricchite con il trittico degli Stati d'animo del 1911. Qui siamo all'apice espressivo, al perfetto equilibrio tra luce e colore , tra linea e disegno, e questi elementi innovativi vengono subito compresi dalla critica .L'intera composizione, in cui predominano le linee curve e i toni accesi, è percorsa da un fremito di energia interiore che si sprigiona verso l'esterno fino a coinvolgere quasi lo spettatore stesso.Così i dipinti di Boccioni si avvicinano alla rappresentazione pura del movimento, l'obiettivo che gia Edgar Degas aveva tentato di raggiungere con i suoi cavalli da corsa e che Giacomo Balla , negli stessi anni, realizza ispirandosi agli album fotografici di Edward Muybridge.

Materia
1912-1913, olio su tela,Milano, collezione Mattioli


La figura della madre ha un ruole determinante non solo nella vita, ma anche nell'arte di Boccioni.L'artista la ritrae gìà nel 1906 e continua a raffigurarla nei suoi dipinti fino alla morte, eleggendola a simbolo universale di vita e energia.Questo è il ritratto più famoso, opera chiave della sua produzione futurista, sintesi degli studi finora effettuati sul rapporto tra il personaggio e l'ambiente, tra interno ed esterno. Dal punto di vista formale l'opera si caratterizza per l'applicazione dei principi della composizione e della compenetrazione dei piani colorati. E' meno rigorosa e geometrica di quella dei cubisti, ma più attenta agli accordi cromatici.Nel 1913, dopo aver esposto il dipinto al ridotto del tetro Costanzi di Roma, L'artisa non ancora soddisfatto, apporta delle ulteriori modifiche alla parte inferiore del dipinto, per meglio integrare le masse.

Balthus

I suoi genitori , Erich e Baladine, di origine polacca, sono discreti pittori. Nel 1934 la Galleria Pierre di Parigi espone le sue prime opere adolescenti, subito considerate ambigue e morbose.Nel 1953 si trascferisce nel castello di Chassy, nel Morvan;nel 1961 è nominato diretore dell'Accademia i Francia a Roma.

Appassionato d'arte orientale, compie un lungo viaggio in Giappone; qui conosce Setsuko che sposa e da cui ha una figlia Harum.

La stanza

1952 -1954 , olio su tela, collezione privata

E' uno dei suoi quadri più conosciuti e insieme enigmatici, per la presenza di molti elementi di non facile interpretazione.La composizione riprende un dipinto del 1949, in cui compare la stessa fanciulla , distesa su una sedia e intenta a giocare con un gatto, mentre una donna sullo sfondo sta aprendo una finestra.Qui il simbolismo è più oscuro : ad esempio , non è chiaro chi sia la figura grottesca e deforme sulla destra e quali motivi la spingano ad aprire la tenda , illuminando la stanza.Altrettanto oscuro è il significato della posa della giovane adolescente che giace sulla poltrona adddormentata o forse svenuta, in maniera innaturale e scomposta.Ancor più inquietante le presenza del gatto , i cui lineamenti hanno una parvenza maligna, che lo fa asomigliare a un piccolo diavolo, intento a ghernire la sua preda ,sorpreso e disturbato dall'arrivo improvviso della luce.Nel corso della sua lunga carriera Balthus ha scelto come protagoniste dei suoi dipinti giovani adolescenti, sorprese , o meglio spiate, nell'intimità della loro vita domestica.L'Impostazione generale della scena è caratterizzata da un meticoloso realismo, ma l'atmosfera è ricca di simbolismo e carica di attese, vicino alle pitture surrealista

Giacomo Balla

Dopo la morte del padre , nel 1880 , studia presso la scuola serale di disegno e all'Accademia .Nel 1895 si trasferisce col la madre a Roma , dove dipinge ritratti e paesaggi vicini allo stile divisionista.Nel 1910 , con Boccioni, Severini,Carrà e Russolo firma il Manifesto dei pittori futuristi, di cui è uno dei maggiori protagonisti.Durante la guerra si interessa anche al cinema e al teatro; negli anni trenta si allontana gradualmente dal gruppo futurista e si riavvicina alla pittura figurativa.Le prime opere risentono dello stile Divisionista,sulla scia della produzione di Segantini, Previati e Pellizza da volpedo. Non mancano inoltre le influenze degli impressionisti, che l'artista conosce durante i settemesi di permanenza a Parigi .In particolare concentra le sue ricerche sulla luce e sperimenta varie soluzioni.Uno dei principi fondamentali del futurismo è l'esaltazione della velocità e il tentativo di rendere il movimento in pittura.Balla affronta questa ricerca in alcuni celebri dipinti , come ad esempio il Dinamismo di un cane al guinzaglio, la bambina che corre sul balcone, Il volo di rondini e La mano del violinista.

Automobile + velocità+luce

1913, acquerello e seppia su carta

Milano, Civico Museo D'arte Contemporanea , collezione Jucker

Questo disegno è uno dei molti , circa 40 dedicati alle automobili, considerate dai futuristi il simbolo stesso della loro arte, che trionfa sullo spirito statico del passato.Qui è evidente il tentativo di rendere il dinamismo dell'automobile, vista di profilo; le linee rette rappresentano l'espansione e il rumore del motore, mentre quelle curve vogliono rendere l'impressione della velocità e dello spostamento d'aria.Sia l'autovettura che il guidatore sono semplificatie stilizzati , quasi a imitare l'impressione dell'occhio dello spettatore che non riesce a cogliere i particolari dell'oggetto in movimento.Balla studia la luce sin dalle sue prime opere divisioniste; nel 1909 dipinge Lampada ad arco in cui vuole rendere in pittura gli effetti di una lampada ad arco voltaico.Nel 1912, a Dusseldorf, prosegue in queste sue ricerche parallele sul movimento e sulla luce.In alcuni disegni di quell'anno il movimento di una figura umana viene scomposto in figure geometriche , in particolare triangoli, e lo stesso avviene nei suoi studi alla luce.Nascono così alcuni quadri formati da triangoli luminosi, con tonalità digradanti nei colori dell'iride, intitolati "Compenetrazione iridescenti", una dozzina dei quali eseguiti come preparazione per il manifesto della mostra della secessione che si tiene a Roma nel 1913.L'artista parte dall'osservazione del vero e gradualmente semplifica le forme fino ad arrivare, come in questo caso, alla totale semplificazione geometrica , collocandosi sulla scia delle parallele ricerche europee, come ad esempio quelle Robert e Sonia Delauny a Parigi Nell'ottobre del 1918 presso la Casa d'Arte di Anton Giulio Bragaglia a Roma , sono esposte quaranta opere eseguite durante la guerra. Boccioni è morto due anni prima. Balla è rimasto l'unico punto di riferimento e la guida per la nuova generazione di artisti futuristi .

Balla rappresenta il movimento in maniera molto analitica, infatti contempla nel tempo lo spostamento spaziale dell'oggetto.

In Dinamismo di un cane al guinzaglio o nelle Mani di un violinista opere realizzate tra il 1911 e il 1912 egli riesce a rappresentare la successione del movimento del guinzaglio dei piedi o delle mani sullo strumento.

Compenetrazioni iridescenti n°7 - 1912 ;olio su carta, 77 x 77 ; Torino ,Civica Galleria d'Arte moderna.

In quest'opera è evidente l'astrazione delle linee e del colore, infatti rappresenta la schematizazzione dei suoi studi sul movimento e sulla luce.

I triangoli colorati, avvicinati in accordo ad affinità ottiche , creano astratte e analitiche tessiture visive.( schemi geometrici iridati)

Nudo controluce

1906, pastello su cartone,

collezione privata

Questa è una delle prime opere di Balla da cui si evince l'influenza dello stile divisionista e dell'impressionismo che ha occasione di conoscere durante i 7 mesi di permanenza a Parigi.Con gli impressionisti l'artista si concentra sulle ricerche sulla luce , sperimentando varie soluzioni.Infatti si nota come in quest'opera pone la figura femminile , di fronte ad una finestra.La postura della donna è molto naturale,il suo corpo è delicatamente scolpito attraverso un sapiente utilizzo dei chiaroscuri.Utilizzando i pastelli riesce a distribuire i colori in maniera non omogena sottolineando la differente intensità della luce.

Nell'Ottobre del 1918, presso la casa d'Arte di Anton Giulio Bragaglia a Roma, sono esposte quaranta opere eseguite durante la guerra.Boccioni è morto circa due anni prima , mentre carrà e severini stanno compiendo nuove ricerche.

L'unico ad essere rimasto come punto di riferimento e guida per gli artisti futuristi è Balla ,è ciò è palese nel dipinto Iniezione di Futurismo, dedicato al suo carissimo allievo Depero.

Spazzolridente - 1918,olio su tela , Civico Museo D'Arte Contemporanea, collezione Jucker

Qui questo dipinto è evidente la scomposizione geometrica dello spazio e della luce ed il tentativo di visuallizzare sulla tela l'assenza del movimento, ( idea di base del Futurismo). I pesonaggi sembrano irriconoscibili, nell'insieme di linee .

Inoltre sembra essersi avvicinato all'umorismo del surrealismo , perchè la spazzola sembra animata avvicinata al personaggio sulla destra che sembra sorridere.

Gilberto Zorio

Nel 1963 si iscrive all'Accademia di Torino, dove tien la sua prima mostra personale alla Galleria di Gian Enzo Sperone nel 1967.Tra il '67 e il '68 partecipa a numerose manifestazioni del gruppo arte povera, Nel 1970 si diploma all'Accademia e insegna al Liceo Artistico di Torino.Fin dalla sua prima esposizione alla Galleria Sperone di Torino nel 1967 Gilberto Zorio è interessato ai fenomeni naturali, come ad esempio l'evaporazione dell'acqua marina su una tenda.Molte delle sue creazioni sviluppano questo tema, degli attrezzi per purificare le parole alle stelle, alle canoe alle macchine irradianti.Le stelle, uno dei soggetti a lui più cari, compaiono nelle sue composizioni a partire dal 1972 e sono viste come il simbolo delle trasformazioni della materia in energia, una delle leggi fondamentali che regolano la vita dell'unviverso.Egli le inserisce in molte opere e da loro una vasta molteplicità di significati.Inoltre le realizzazioni in materiali diversi, per lo più derivanti dalla produzione industriale, seguendo un procedimento utilizzato da quasi tutti gli esponenti dell'Arte Povera.In ogni suo lavoro , da quelli più semplici alle instllazioni più vaste e complesse l'artista si sforza di rappresentare una realtà dinamica ed in trasformazione, proprio com'è il mondo in cui viviamo
Conclusione: Artista contemporaneo - Arte povera